Teatro Cuyás: Temporada 2007-2008

El teatro Cuyás avanzó la programación cultural para la temporada 2007-2008 SEPTIEMBRE INAUGURACIÓN TEMPORADA 07-08 ROMANCERO GITANO Ballet Flamenco de Andalucía Dirección: Cristina Hoyos Días 14, 15 (20.30 horas) y 16 (19.00 horas) El Ballet Flamenco de Andalucía que dirige la bailarina y coreógrafa sevillana Cristina Hoyos, vuelve a los romances de Lorca para presentarnos un espectáculo lleno de color y vitalidad, energía y conmovedor arte. Con guión y dirección escénica de José Carlos Plaza, Romancero gitano reproduce de esta obra que resume las esencias flamencas un compás de cada una de sus páginas, un ritmo de cada frase, un temblor de cada una de sus palabras. Plaza ha otorgado un matiz a cada uno de los romances seleccionados y ha sabido descifrar muy bien las metáforas que esconden. Como advierte Plaza, “todos y cada uno de esos romances vibran, sacuden y conmueven. En ellos hay silencio y ajetreo, calma y meneo. La esencia del baile. Nuestra esencia”. Nueve son los romances que integran este montaje del Ballet Flamenco de Andalucía que inaugura la Temporada 2007-2008 del Teatro Cuyás: Romance de la luna, luna, La preciosa y el aire, La monja gitana, Reyerta, La casada infiel, Prendimiento de Antoñito el Camborio, Muerte de Antoñito el Camborio, Romance de de la Guardia Civil española y Romance de la pena negra. Las coreografías de este espectáculo en las que ha colaborado El Junco, son atrevidas, arriesgadas y actuales, sin olvidar las esencias y las raíces flamencas. En el espectáculo Romancero gitano que protagoniza Cristina Hoyos, maestra del baile, premio Nacional de Danza y Medalla de Oro a las Bellas Artes, además de pareja de baile durante años de Antonio Gades, destaca la presencia de El Junco como bailaor principal. Hoyos baila El Romance de la pena negra y recita poemas lorquianos, en un espectáculo de música en directo, compuesta para la ocasión por Pedro Sierra, y romances lorquianos cantados, recitados y proyectados. El erotismo y el romanticismo que impregnan varios pasajes de este Romancero gitano, en el que se proyectan imágenes en una gran pantalla, contribuyen a potenciar el desarrollo de la dramaturgia ideada por José Carlos Plaza. Hoyos fue durante dos décadas pareja artística del bailarín Antonio Gades, hasta que en 1989 formó su propia compañía, con la que afrontó obras como Sueños flamencos y Yerma. Desde 2004 dirige el Ballet Flamenco de Andalucía, y en Romancero gitano recita y baila el Poema de la pena negra. Tras casi 50 años en activo, no piensa en la retirada. LORCA FLAMENCO Federico García Lorca, poeta granadino de la Generación del 27, sin ser gitano ni flamenco, ha tenido y sigue teniendo una importante presencia en el mundo del flamenco. Muchos artistas flamencos se han acercado a su obra y han tratado de recrear la fuerza, la pasión y la tragedia de sus versos. El poeta dijo: “Los grandes artistas del sur de España, gitanos o flamencos, ya canten, bailen o toquen, saben que no es posible ninguna emoción sin la llegada del duende”. LOS PERSAS (A partir del texto de Esquilo) Dirección: Calixto Bieito Con Natalia Dicenta Días 21, 22 (20.30 horas) y 23 (19.00 horas) Los Persas tiene el honor de ser la tragedia más antigua conservada y, paradójicamente, la de tema más reciente, puesto que pone en escena un hecho histórico ocurrido ocho años antes de su estreno: la derrota del poderoso Jerjes y su inmenso ejercito persa frente al humilde y relativamente escaso ejército de ciudadanos griegos en la batalla de Salamina, en el año 480 aC. Si reflexionamos, no podemos decir que el tema que trata Esquilo sólo sea el de una batalla antigua. Actualmente, nuestros soldados permanecen en Irak, en Afganistán, en la antigua Yugoslavia, en el Líbano… para luchar por supuestas guerras justas. El controvertido director teatral Calixto Bieito y Pau Miró han reescrito este texto para el público actual; han humanizado a los persas, llenándolos de sentimientos, más allá del cántico patriótico de Esquilo, quien no hace sino valorar la victoria de los griegos. Este Réquiem por un soldado no es un alegato pacifista ni una tragedia sobre divinidades, sino sencillamente una historia sobre seres humanos, simples y mortales. Sobre sus angustias, sus tristezas y sus lamentos por una guerra perdida y, sobretodo, por sus soldados muertos. Porque los soldados muertos con nombres y apellidos es cuando duelen más. Según Bieito Los Persas es también una pieza sobre el exceso de soberbia de un país civilizado que intenta imponer su tiranía sobre otro. Bieito, director también del Teatre Romea de Barcelona, define su nuevo montaje como un gran lamento poético, de carácter no documental, por la guerra y la violencia, aunque sin pretensiones moralizantes. Eligió esta obra porque es la única de Esquilo que habla de hombres, y no de dioses y mitos, y porque aborda un tema de evidente actualidad. MEDEA LA EXTRANJERA (A partir de textos de Eurípides, Séneca, Heiner Müller y diversos autores contemporáneos) Compañía Atalaya Teatro Dirección y Adaptación: Carlos Iniesta Días 28, 29 (20.30 horas) y 30 (19.00 horas) La obra de la compañía Atalaya Teatro, Medea la extranjera, una adaptación de Carlos Iniesta a partir de los textos de Eurípides, Séneca, Heiner Müller y diversos autores contemporáneos, está dirigida por Ricardo Iniesta. El siglo XXI está imprimiendo plena vigencia al mito de esta bárbara de la Cólquide, asesina de sus propios hijos, por lo que esta propuesta escénica que coproduce el Festival de Mérida y el Art Carnuntum Festival de Viena (Austria), supone de confrontación entre dos polos, que son una constante entre los trágicos griegos: griegos y bárbaros, hombres y mujeres, ciudadanos y extranjeros, hombres libres y esclavos... Esta polarización alcanza en Medea su máxima expresión, al presentarnos dos mundos enfrentados: Medea es el universo arcaico, mítico, mágico, sacro y ancestral, dotado de valores que enaltecen al hombre, frente a Jasón que representa un mundo más actual, racional, materialista, pragmático y deshumanizante. Medea es ahí el gran espejo en el cual todos podemos reflejarnos como extranjeros. Atalaya subtitula el montaje la extranjera a nuestra Medea, como referencia al gran drama que acontece en estos inicios del siglo XXI con aquellos que huyen de sus países buscando el dorado occidental, para encontrar el desprecio y la xenofobia. La Medea de Atalaya, cuyo espectáculo ha recorrido un centenar de ciudades de Europa y América, está conformada estética y dramatúrgicamente por tres mundos, y tres estilos muy definidos: arranca -por vez primera en las versiones teatrales realizadas en España- en la mítica Cólquide, para desplazarse luego a Corinto, en donde los elementos serán más refinados y asépticos, y concluir en la Medea material de Heiner Müller, que cierra el espectáculo de forma más coral. OCTUBRE OTELO, de W. Shakespeare Teatre Lliure Dirección: Carlota Subirós Días 5 y 6 (20.30 horas) y 7 (19.00 horas) El Teatre Lliure de Barcelona nos presenta esta pieza de Shakespeare que dirige la dramaturga catalana Carlota Bustelo, apoyándose en un brillante y amplio reparto de quince actores. Subirós realiza con Otelo un viaje al corazón oscuro de las pasiones humanas –la fascinación por lo diferente; al placer del enamoramiento compartido; a la espuela de la envidia y el tormento de los celos; al abismo del mundo interior cuando se tambalean las certidumbres; a la inagotable perversidad del que odia y a la vertiginosa y sensual atracción de la muerte. La directora ha querido llevar a cabo una grandísima concentración formal de la conocida obra de Shakespeare, que narra el juego de amor y traiciones entre el guerrero negro Otelo, su celoso servidor Yago y la inocente Desdémona, que le lleva a la esencia de esta trágica historia de amor. Subirós apuesta más por la poética y la abstracción que por la transgresión, en este montaje dotado de cierta atemporalidad, en donde tanto la escenografía como la con su propio juego teatral y evitando el naturalismo cinematográfico la iluminación y la música juegan un papel determinante. El montaje incluye también piezas de danza a cargo de Iva Horgat, quien personifica el amor entre Otelo y Desdémona. UN JUEGO DE ESPEJOS Otelo desea a Desdémona. Desdémona se muere por Otelo. Yago envidia a Casio. Yago sospecha de Emília. Casio desea el puesto de Otelo. Brabanzio odia al negro Otelo. Todo el mundo confía en Yago. Yago conspira contra todos. Aprovechando la fuerza del deseo, Yago conspira contra el mismo deseo. En un juego de espejos interminable, el deseo y los celos resuenan en cada uno de los versos de Shakespeare. La confianza y la desconfianza. La confianza contra el miedo. El miedo contra la confianza. Desde el abismo del mundo interior hasta las más altas estrellas. El amor absoluto de Otelo y Desdémona arde en una noche profundamente negra. La profundidad del sentimiento se encuentra a flor de piel. COMPAGNIE MARIE CHOUINARD Preludio a la siesta de un fauno La consagración de la primavera Días 12 y 13 (20.30 horas) y 14 (19.00 horas) La danza contemporánea de la compañía de la canadiense Marie Chouinard, considerada una de las máximas autoridades de esta disciplina en la actualidad, se presenta en el Teatro Cuyás con un doble programa que incluye las piezas Preludio a la siesta de un fauno, con música de Claude Debussy.y La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky. La luz, la expresión corporal, y la exaltación de las emociones son las claves del trabajo de esta coreógrafa empeñada en unir música y danza en un todo enérgico e impactante, para crear obras que invitan al deleite visual. La consagración de la primavera es la primera coreografía que ideó Chouinard para su compañía, fundada en 1990 tras muchos años de carrera en solitario, y destaca por ser una obra muy física y visceral, y por su escrupuloso respeto a la música de Stravinsky. Esta pieza que consta de 45 minutos de duración, explora un nuevo mundo y marca la entrada de la danza en la modernidad. La otra pieza que presenta en el Teatro Cuyás la compañía canadiense fue creada específicamente para el Festival Internacional de Taipei (Taiwan) en 1994, y consta de un sólo acompañado por la música del compositor francés Debussy. Escucho la música, pero no con mi oído inteligente sino con mi oído orgánico el impacto de esas notas en mi alma y los fluidos dentro de mi cuerpo, explica Chouinard al referirse a su manera de componer sus coreografías. El trabajo de Chouinard es muy visual, parece la representación de una pintora sobre el escenario, y confiesa que al principio no veía el trabajo de otros creadores de danza contemporánea, sino de pintores abstractos. Aunque mi trabajo no es abstracto en absoluto, comenta, es el sentimiento que uno tiene cuando ve una flor, es muy matemático, con las espirales, siempre hay un aspecto matemático en la creación. CELEBRAR EL CUERPO Chouinard ha sido considerada una iconoclasta fascinada por los rituales, ha escrito Line Howe-Beck, ella piensa que la danza es un arte sagrado, y el cuerpo un medio especial con una fuerza espiritual que debe ser celebrada. CARNE, HUESOS Y MÚSCULOS La reputación de la compañía de Marie Chouinard es producto de 25 años de trabajo de esta artista de Montreal, que en 1978 creó un solo titulado Crystallization, demostrando ya su originalidad e integridad. A este trabajo le siguieron una cincuentena más de propuestas, performances de acción, trabajos vocales, instalaciones y películas, en las que esta profesional perfeccionó su interés por la investigación formal y los misterios del cuerpo humano en todos sus aspectos. Desde 1978 a 1990, Marie Chouinard actuó sola, viajando alrededor del mundo, absorbiendo elementos de diversas culturas, técnicas y filosofías, que posteriormente transformaba en un lenguaje personal de resonancias universales. Tras estos doce años como solista, fundó la compañía que lleva su nombre, con la que ha creado una docena de coreografías en las que ha transmitido a sus bailarines la urgencia, poder y sensibilidad que caracterizaron sus propias interpretaciones. En este sentido, el material básico que emplea Chouinard es la carne de los bailarines, sus huesos y músculos, las íntimas conexiones que impulsan el movimiento LAS VISITAS DEBERÍAN ESTAR PROHIBIDAS POR EL CÓDIGO PENAL De Miguel Mihura Centro Dramático Nacional Dirección: Ernesto Caballero Días 20 (20. 30 horas) y 21 (19.00 horas) Las visitas deberían estar prohibidas por el código penal es un espectáculo que surge a partir de una serie de textos de Miguel Mihura, recogidos e hilvanados por Ignacio del Moral. El montaje del Centro Dramático Nacional se trata de una exploración escénica por la vertiente más absurda e insólita del universo literario del autor de Tres sombreros de copa. El citado montaje que dirige Ernesto Caballero trata de dar cuenta del humor delirante, tan emparentado con el surrealismo y las vanguardias de la época, así como con el posterior teatro del absurdo, evocando toda una galería de fantasmas familiares constituidos por figuras clichés de toda la literatura folletinesca de principios de siglo, sometidos a un descarnado proceso de parodia; así como por el retrato grotesco y descarnado de los propios consumidores de estos subgéneros, esto es: la burguesía coetánea del autor, retratada, según la afortunada expresión de Ricardo Doménech, en una suerte de esperpento amable. Personajes que aún reconocemos en los rincones más destartalados de la memoria, como aquella tía Asunción con la que tanto se cebó don Miguel por obligarle a participar del tedioso ritual de las visitas. El universo lóbrego y entrañable de esa tía Asunción que casi todos llevamos dentro, sus disparatadas ensoñaciones costumbristas, es la materia de la que está hecha nuestra función. MIHURA, RENOVADOR DEL TEATRO ESPAÑOL Miguel Mihura, una de las primeras figuras indiscutibles del teatro humorístico contemporáneo, fue uno de los fundadores de la revista humorística La ametralladora y La codorniz. Sus obras suponen una ruptura con el teatro precedente, lo que dio lugar a una renovación del teatro español de posguerra con un humor diferente que mezcla el absurdo y lo trágico. Ignacio del Moral apunta de Mihura que es un gran escritor de un humor sorprendentemente perverso y un verdadero poeta del lenguaje, pero no un gran dramaturgo. Mihura es un humorista singular, sorprendente y con una voz propia y reconocible, a ratos genial; y creo que sus valores como malabarista de las palabras y los conceptos, como creador de chistes y paradojas son casi siempre superiores a su calidad como constructor de obras dramáticas. EL APAGÓN, de Peter Saheffer Dirección: Severiano García Días 25 y 26 (20.30 horas), 27 (20. 00 horas y 22.30 horas) y 28 (19.00 horas) Los actores están a oscuras. El público, en cambio, no para de ver disparates, situaciones inesperadas y embrollos de todo tipo. Las risas pueden ser tan contundentes que el propio autor, el mítico Peter Shaffer, escribió El apagón teniendo en cuenta que podía haber frases que no se oyeran. Esta pieza maestra de la carpintería teatral se estrena en el Teatro Cuyás, adonde llega de la mano de Producciones del Mar, y con dirección de Severiano García. Shaffer, autor de otras conocidas obras, como Equus, Leticia o Ejercicio para cinco dedos, escribió esta obra inspirándose en una escena en la que vio a dos hombres batirse en duelo, pero a oscuras. Su obra, que él tituló A black comedy, siempre se ha llamado en España El apagón, ya que la comedia transcurre mientras se produce una irreparable avería eléctrica, lo que implica que los personajes sólo puedan ser vistos por el público, pero ellos se supone que están cegatos. En un marco de sucesivas confusiones provocado por un corte de luz, las aspiraciones matrimoniales de una joven pareja, formada por Brindsley, un artista bohemio y sobrio, y Carol, una joven acomodada y bella hija de militar, se convierten en argumento para la comedia. La trama se complica con una larga lista de equívocos ( atribuir a un personaje una identidad que no le pertenece) y en la que la aparentemente sencilla venta de las esculturas de Brindsley a un millonario interesado en el arte, Bamberger, se convierte en un imposible. EL DATO La obra fue escrita por Shaffer en 1965 por encargo de Laurence Olivier para el entonces jovencísimo National Theatre de Gran Bretaña. El éxito fue rotundo para el autor, como también para John Dexter, director del montaje. La comedia de enredo fue interpretada en su estreno por actores de la talla de Albert Finney, Maggie Smith y Derek Jacobi. NOVIEMBRE MOVIL , de Sergi Belbel Dirección: Miguel Narros Días 2 y 3 (20.30 horas) y 4 (19.00 horas) Una madre sobreprotectora, una ejecutiva agresiva autosuficiente y dos jóvenes, modernos y débiles, todos ellos enganchados a sus móviles de última generación, son los puntos cardinales de la obra de Sergi Belbel, Móvil, que el Centro Dramático Nacional presenta con dirección del veterano Miguel Narros. Móvil narra la historia de dos mujeres, Sara y Claudia, y de sus hijos Jan y Rosa, de 27 y 30 años respectivamente. Cuatro personas que se comunican casi exclusivamente a través de sus teléfonos móviles y cuyas vidas se entrecruzan en un aeropuerto donde acaba de producirse un atentado con bomba que transformará sus vidas. Comedia teñida de humor amargo, en la que también se entrecruzan relaciones normales, equívocos igualmente normales, sinceridad y falsedad, comunicación e incomunicación... y como telón de fondo, la influencia del terrorismo sobre lo cotidiano. Belbel ha señalado que la escritura de este texto estuvo relacionada con algunas inquietudes que le produjeron los atentados del 11 de septiembre de 2001, la forman tan salvaje de entrar el siglo que comportaron y la posterior globalización del miedo. Los cuatro personajes de la obra están solos, los cuatro se comunican entre ellos por ese pequeño aparato sin el que ya no podemos vivir, los cuatro esconden sentimientos que sólo son capaces de sacar a flote cuando la persona a la que se dirigen está al otro lado del teléfono. La habilidad de la trama de esta obra se sostiene a golpe de llamadas, cruces de líneas inesperados que hacen que los personajes escuchen cosas que no quieren oír, y los encuentros y desencuentros se marcan a ritmo de monólogos frenéticos. En esta obra, hay una doble crítica al hombre que se ha dejado vencer por este artilugio y al hombre que busca la libertad a través de él, detalla el director de escena. Los personajes utilizan el teléfono para decir cosas -a veces terribles -que no son capaces de pronunciar cara a cara- y para romper los cordones umbilicales invisibles que atan a las personas, de la misma forma que el móvil está lleno de cables invisibles. EL DATO Móvil escenifica un texto de 28 escenas, el 70 por ciento de las cuales son monólogos teatrales hablados por móvil. El espacio escénico está marcado por una gran pantalla electrónica cuya luz especial rodea las siluetas con una especie de áurea. El hecho de centrar toda la dramaturgia en la comunicación a través del móvil, ha dificultado mucho la puesta en escena. El espacio sonoro y la música que ha creado al respecto Luis Miguel Cobo, ayudan a solucionar esta cuestión SACRED MONSTERS Sylvie Guillem y Akram Khan Días 9 y 10 (20.30 horas) y 11 (19.00 horas) Guillem es una de las grandes estrellas de la danza internacional. Su trayectoria ha experimentado un amplio giro en las últimas décadas hacia expresiones más contemporáneas del movimiento. Estrenado en Londres en octubre pasado, Sacred Monsters constituye un encuentro entre los conocimientos, la herencia artística y los recuerdos de infancia de dos bailarines que, a pesar de haberse formado en una tradición clásica, comparten un deseo de exploración y renovación. Creado con la voluntad de encontrar un punto intermedio entre la tradición y la danza contemporánea, Sacred Monsters une el ballet con el kathak, una de las danzas clásicas de la India. Incluye un solo de Sylvie Guillem, coreografiado por Lin Hwai-min, director artístico del Cloud Gate Dance Theatre de Taiwán, y un solo de Akram Khan, de la coreógrafa y gurú de la danza kathak, Gauri Sharma Tripathi, con música creada por el compositor y violoncelista Philip Sheppard, que ha trabajado con Scott Walker, David Bowie u Oasis, entre otros. Según la crítica internacional el montaje une dos fabulosos bailarines de disciplinas opuestas -ballet y kathak- y los lleva a lugares sorprendentes donde nadie ha llegado nunca. Un extraordinario encuentro entre mente y cuerpo. DOS BAILARINES, DOS ESPÍRITUS Sylvie Guillem (París, 1965) empezó su carrera con 19 años en el Ballet de la Ópera de París que dirigía Rudolf Nureyev, y en 1990 ingresó en el Royal Ballet de Londres, compañía en la que tuvo libertad para diseñar su carrera independiente. Ha trabajado a lo largo de sus más de veinticinco años de carrera con coreógrafos de la talla de Maurice Béjart, William Forsythe, Carole Armitage o Mats Ek. Su inmersión dentro de la danza contemporánea se complementa con el riesgo y la curiosidad que mueve su potencial creador. Para Guillem el escenario es el espacio idóneo en el que explora nuevos retos y experiencias. Akram Khan (Londres, 1974) participó a los catorce años en el legendario Mahabharata de Peter Brook, y el año 2000 creó en Londres su propia compañía. Su trabajo se ha visto influido por la danza contemporánea de Occidente y su vida en Londres, lo que hace que su experiencia multicultural sea única en el mundo de la danza contemporánea. PALABRA DE GUILLEM Amo lo que hago y lo hago con total honestidad e implicación. Trato de comportarme así siempre que puedo. Este no es mundo fácil y mantenerse fiel a sí mismo es una cualidad. Dejaré de bailar el día que esté cansada, psicológica o físicamente, o no esté emocionada con el proyecto o que, sencillamente, sepa que es tiempo de parar. FAMA, EL MUSICAL Idea: David de Silva Música; Steve Marghoshes Del 15 al 28 (diversos horarios y funciones) Más de treinta actores, una banda de músicos que actúan en riguroso directo y más de una veintena de técnicos, integran el equipo humano de otro de los musicales que a buen seguro constituirá otro éxito de la nueva temporada del Teatro Cuyás, Fama. Primero fue un filme de éxito, y después, la serie televisiva de larga duración. Hoy, la que fue la sensación de las pantallas en 1980 filmada por Alan Parker, es la sensación de los escenarios. Actualmente se está representando en todos los continentes y en casi todas las lenguas. El musical Fama demuestra ser intemporal y universal debido al poder de atracción que despierta en cada nueva generación. Situada durante los últimos años de la célebre High School for the Performing Arts, en la calle 46 de New York , Fama es una historia agridulce pero definitiva, inspirada en un variado grupo de estudiantes que se comprometen durante cuatro años a un exhaustivo trabajo artístico y académico con candor, humor y entrega. El espectáculo explora los temas a los que se enfrenta mucha gente joven de hoy en día: situaciones de prejuicio, identidad, confianza en sí mismos, cultura, sexualidad, abuso de sustancias y perseverancia. Con sus maneras tópicas, selección multi-étnica de los actores, cantantes, bailarines e instrumentistas, y repertorios musicales de pop contemporáneo, de alta energía, entre los cuales se incluye el título de la canción de mayor éxito Fame. Los 35 actores superan cada día varias horas de representación en plena tensión interpretativa y esfuerzo físico, lo que les obliga a un cuidado especial de su cuerpo. Son jóvenes artistas que fueron elegidos en un casting al que se presentaron miles de aspirantes capaces de identificarse, por edad y condiciones, con los personajes ilusionados de la trama de este musical. TODO UN ÉXITO La película Fame consiguió en los ochenta dos Oscar de las seis nominaciones que tuvo y, además, seis Globos de Oro. El director Alan Parker narraba la historia de ocho adolescentes llenos de talento interpretados por la ganadora del Oscar, Irene Cara, Paul McCrane, Barry Miller, y el bailarín Gene Anthony Ray y Lee Curreri (quienes también actuaron en la serie de televisión). El segundo Oscar fue para la banda sonora de la película. Cuando el argumento de Fama llegó a la televisión, se convirtió de forma inmediata en un auténtico éxito mediático. La influencia del medio televisivo convirtió a aquella serie en metáfora del aprendizaje humano, que no es otra cosa que un aprendizaje para la vida.